Jeune label français spécialisé dans l’Indie, Midnight Special Records a organisé, en partenariat avec La Compagnie Nova, une soirée avec quatre de ses groupes le 17 mai 2012 au Nouveau Casino, afin de célébrer comme il se doit la sortie d’une première K7 audio, intitulée The Apartment Sessions et compilant quelques titres enregistrés pour l’occasion par ces groupes parmi d’autres, absents ce soir. Entre Lo-Fi et Indie Psychédélique, on a donc pu découvrir, dans l’ordre, 

C’est donc le groupe hybride composé de Kim d’un côté et de Natas Loves You de l’autre, sobrement et très justement nommé Kim & Natas Loves You, qui ouvre le bal. Le combo interprétera cinq titres qui, comme expliqué de longue et fastidieuse façon par Kim en personne, explorent leurs discographies respectives et proposent donc deux titres de Kim contre trois titres de Natas Loves You.

Côté musique, Kim & Natas Loves You produisent une pop indie très bien fichue et bien exécutée, bien qu’un peu disparate puisque les deux artistes ne possèdent pas vraiment les mêmes influences ni le même son. De façon étonnante, le titre figurant sur la compilation, Run to Me, manque à l’appel. Un choix singulier quand on sait qu’il s’agit de la release party de la K7, sensée donner envie au public de se la procurer. Il ne s’agit donc malheureusement pas tant d’une fusion scénique et artistique entre les deux formations, plutôt que d’une association temporaire et il faudra écouter la K7 pour déterminer la valeur de l’ensemble. On reprochera au groupe une mise en place quelque peu balbutiante, qui manque résolument de professionnalisme — palabrage inutile entre les morceaux qui alourdissent et étirent péniblement les temps de transition, on aurait largement préféré un titre supplémentaire, même court !

Malheureusement, et malgré d’évidentes qualités, le groupe parvient péniblement à éveiller l’intérêt d’une salle trop peu remplie au début de leur court set. Les erreurs d’interprétation se ressentent et Kim & Natas Loves You, malgré une présence scénique plutôt agréable, ne parvient jamais à véritablement passionner, malgré de très bons titres, surtout côté Natas Loves You.

Les parisiens de Two Bunnies in Love leur succèdent avec pour tâche de réchauffer l’ambiance d’une salle déjà plus remplie. Sur scène, l’ambiance est déjà là : à peine arrivé sur scène, le chanteur bondit sur place avant de se déhancher à la façon d’un Jim Morrison, bat la mesure à l’aide de vieilles raquettes de tennis Donnay, se jète sur le micro pour une setlist pop mélodique maîtrisée et terriblement entraînante.

Le public réagit en conséquence, au son de titres tels que Hey You ou l’étonnant Cotton Hammer, qui lorgne volontiers du côté de la musique afro-caribéenne et produit son petit effet dans la foule désormais acquise à la cause de Two Bunnies in Love, dont vous pouvez retrouver la musique sur MySpace ou BandCamp. Même ambiance pour In My Dreams, titre figurant sur The Apartment Sessions, leur pop lyrique, lancinante et séductrice, qui n’est pas sans rappeler certains accents de Pulp, The Divine Comedy ou des premiers Blur, continue d’entrer dans les esprits. Les membres du groupe se relaient aux divers instruments, le guitariste passe aux claviers, le bassiste à la guitare… Ça bouge sur scène comme dans le public. Pari réussi !

Le plaisir va malheureusement être de courte durée puisque le groupe suivant, Caandides, produit une pop électro bruyante et brouillonne, qui aura tôt fait de provoquer l’ennui dans une salle maintenant comble. Le groupe se produit dans une semi-pénombre — qui explique que nous n’ayons pas de photo à vous proposer — aux accents psychédéliques provoqués par une sur-impression de formes et couleurs, projetée depuis le balcon de la salle sur le groupe et le fond de la scène, et qui constitue la seule véritable source d’éclairage. Leur titre In The Cave, qui figure sur la compilation, passe quant à lui à la trappe dans ce brouhaha global : dispensable.

C’est donc à Amour Versus de clore le débat, tâche dont le trio parisien s’acquittera sans grande peine avec un mélange subtil de pop, de rock, de funk et d’électro orientée house et big beat. Tous les membres jouent au moins de deux instruments, le batteur passe le plus clair de son temps débout à jouer du clavier en même temps que de la batterie, le guitariste est comme possédé, bondit dans tous les sens, tandis que le bassiste s’essaie lui aussi aux claviers, de façon plus que convaincante !

C’est donc sur une note plus que positive que le show se conclut avec Amour Versus qui inonde le public de ses sonorités acides et de riffs funky doublés d’un chant de tête, mélange qui n’est pas sans rappeler les meilleures heures d’un Beck. L’exécution est irréprochable, la tenue de scène est remarquable, l’ensemble de la performance est parfaitement maîtrisé et laissera le public sur une excellente impression. Et leur titre Electric Blue ouvre la Side B de cette K7 de bien belle façon.

Une belle soirée musicale, en définitive, malgré un début un peu balbutiant et à l’exception d’un troisième groupe largement inférieur en termes de prestance et d’exécution. À noter que la K7 est disponible en téléchargement légal, notamment sur Colette, pour les quelques rares à ne plus posséder un lecteur adéquat, pour la modique somme de 6 euros. Elle réunit, en plus des quatre groupes ayant participé à la release party, les groupes La Femme, D. Wight, Traditional Monsters, Pousse Mort, Ava Carrère, CoCoFKa et La Ligne Claire. Autant dire que l’investissement en vaut la chandelle.

Depuis le 9 mai, les aventures du bel Ethan Hunt sont disponibles en DVD et Blu-Ray, avec en bonus DVD deux reportages : La tempête de sable et Les Accessoires qui reviennent sur les moments forts du film, ainsi que les habituelles Scènes inédites avec commentaires du réalisateur Brad Bird. Exclusif à l’édition Blu-Ray, le making-of Missions Acceptées : Ça chauffe à Dubaï, Grabuge à Vancouver vient compléter ces bonus. À noter que Paramount publiera pour l’occasion un coffret intégrale, réunissant les quatre épisodes Mission : Impossible.

Autre ambiance : à partir du 30 mai 2012, les amateurs de beaux éphèbes aux longues canines en auront pour leur argent avec la parution de la quatrième saison de True Blood, la série créée par Alan Ball pour HBO qui vante si bien les charmes et mérites de la Louisiane. Côté bonus, l’édition DVD propose un making-of ainsi qu’un documentaire intitulé « True Blood : la touche finale ». L’édition blu-ray propose en plus de cela un bonus exclusif en permettant de regarder les 12 épisodes de la saison en Vision Améliorée (mode PiP). Là encore, nous ne tarderons pas à revenir sur cette sortie très attendue !

Jeudi dernier, le FIAP Jean Monnet célébrait l’ouverture de l’exposition de peintures de l’artiste française

Ancienne directrice artistique de la Maison des Cultures du Monde à Paris, créatrice du Festival des Arts Traditionnels (1974) à Rennes, première doctorante en ethnoscénologie… on ne compte plus les talents de cette artiste prolixe au curriculum vitae impressionnant. Nul hasard donc, si son esprit curieux et pionnier la pousse très tôt à faire découvrir au public français des textes inédits (Marionnettes sur l’eau du Vietnam de Tran Van Khe), car Françoise Gründ Khaznadar entend valoriser et favoriser l’échange interculturel, l’ouverture de la scène et des arts français au monde, à l’instar d’Ariane Mnouchkine et du Théâtre du Soleil.

Tout commence en Syrie, quand son époux Chérif, originaire de ce pays, lui « ouvre les portes d’un Orient avec des formes et des couleurs [qu'elle] n’arrête pas de repenser ».  Aussi, sa peinture apparaît comme le précipité ou un pot-pourri de ses impressions livrées par ses nombreux voyages et dont elle restitue les ambiances au gré de ses souvenirs.  Elle aime et n’hésite pas à « laisser guider » son pinceau, son aiguille à broder, par les formes et les couleurs qui lui viennent.

 Son style, caractérisé par une facture simple et l’usage de couleurs vives — elle cite Antonin Arthaud, « La couleur est le cri de la vie » —,  est emprunté à celui de l’Art brut dont elle partage et cultive l’esprit populaire. Elle conjugue cette approche avec sa propre grammaire, très aisément déchiffrable. Icônes, mosaïques, frises qui caractérisent ses illustrations sont autant de rappels des cultures artistiques des pays qu’elle souhaite évoquer (Les Guzules d’Ukraine/Mariés des Balkans). Ses tableaux revêtent, de cette manière, un pouvoir narratif efficace, et sont ainsi le miroir de scènes intimistes, parfois difficilement accessibles (Les feuillages) ou encore l’écho d’une actualité brûlante (Printemps arabe).

On retient de cette exposition les qualités plastiques et les vertus didactiques de ces images, qui ne manqueront d’ailleurs pas d’intéresser le regard d’un jeune public. Si ces supports, par leur pouvoir évocateur, se suffisent à eux-même, on aimerait volontiers écouter Françoise Gründ Khaznadar nous conter ses propres expériences. En attendant, le visiteur peut poursuivre cette rencontre en se penchant sur les diverses créations de l’auteur (scène, musique, danse…).

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Françoise Gründ Khaznadar au FIAP Jean Monnet
30 rue Cabanis 75014 Paris
infos : www.fiap-cultures.fr

Site personnel de l’artiste : www.francoisegrund.com

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Quelques conditions :
Le concours prendra fin le 22 mai 2012 à minuit.
Jeu reservé aux personnes majeures habitant en France métropolitaine.
Une seule participation par foyer (même nom, même adresse).
Les gagnants seront départagés par la question subsidiaire. La date et l’heure de participation ainsi qu’un tirage au sort serviront à déterminer les gagnants en cas d’égalité entre plusieurs participants.
Aucune compensation monétaire ne pourra être demandée en cas de gain.

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La série nous narre les aventures de Ryan Hardy, agent du FBI chargé de traquer un tueur en série, Joe Caroll, échappé de prison huit années plus tôt et interprété par James Purefoy, que les amateurs de séries connaissent bien pour avoir incarné Marc Antoine dans Rome sur HBO ou de Teddy Rist dans The Philantropist sur NBC, en plus de ses nombreux rôles au cinéma. Dépassé par les événements, son enquête va l’obliger à se confronter à son ex-femme, interprétée par la Natalie Zea de Californication, Justified ou Dirty Sexy Money, ainsi que d’anciennes victimes du tueur, parmi lesquelles la belle Maggie Grace, vue récemment dans Lock Out, mais aussi dans Taken et la série Lost. Tout ceci, grace à l’aide de ses partenaires, interprétés par Shawn Ashmore (Smallville, X-Men…) et Jeananne Goossen (Alcatraz, NCIS…).

Une belle brochette d’acteurs en perpective pour un show plutôt intrigant, dont la première saison devrait compter 15 épisodes et est annoncée pour une « midseason premiere », c’est à dire une diffusion à partir de janvier 2013 aux États-Unis. À la production, on retrouvera Kevin Williamson, responsable entre autres des séries à succès The Vampire Diaries et The Secret Circle. Heureusement, l’ambiance de la bande-annonce semble infiniment moins orientée « ados » que ces deux séries…

Craig Davidson est un auteur canadien, aujourd’hui trentenaire. C’est en 2005 qu’il perce avec le recueil dont il est question ici. Salué par Bret Easton Ellis (American Psycho, Moins Que Zero) et aussitôt affilié à Chuck Palahniuk (Fight Club, Choke) dont il partage certains thèmes et dont les anti-héros semblent avoir grandi ensemble, Un Goût de Rouille et d’Os raconte les histoires d’hommes (et d’une sœur) que le sort a handicapé parfois physiquement, mais surtout psychologiquement. Chaque histoire, qui fait apparaître un détail la reliant à une des autres nouvelles, implique le sport ou le spectacle : un boxeur clandestin aux mains broyées continue de se battre pour se racheter aux yeux de sa famille, un autre est devenu entraineur en Thaïlande pour fuir l’homicide involontaire qu’il a provoqué sur un ring il y a plusieurs années, un coureur de jupons officiant dans un marineland se fait croquer une jambe par un orque lors d’un spectacle, un père de famille sex addict est devenu acteur porno par souci d’honnêteté envers ses proches, un père alcoolique qui a puni son fils à briller en NBA, un homme stérile et sa femme qui font combattre des chiens qu’ils aiment pourtant, un employé d’huissier chargé de récupérer les biens des mauvais payeurs rencontre le réalisateur d’une série pour enfant mettant en scène de petits animaux dans le mobilhome qu’il doit lui reprendre, un frère et une sœur assistants de leur père magicien qui profite d’un numéro de disparition pour les abandonner. Chacune de ces nouvelles est assez dense pour devenir un roman ou un film à elle seule.

Si Davidson, boxeur amateur, sait parfaitement restituer les ambiances et concède peu de répit à son lecteur lors des combats entre hommes ou entre chiens, il ne néglige pas pour autant l’environnement de ses autres nouvelles et sait faire partager les passions de ses personnages pour le basket-ball ou encore la magie. Ces passions qui sont souvent à l’origine de leurs malheurs représentent aussi l’espoir, c’est l’instant où ils entrent dans la lumière que l’humanité de chacun se révèle dans un monde jusque là froid, sombre et comprimé. À l’instar d’un combattant s’entraînant quotidiennement durant des années afin de gommer ses faiblesses, de devenir une sorte de machine, et qui ne connaîtra son heure de vérité que lors du combat, les personnages de Davidson progressent à tâtons, sont comme condamnés à une fuite en avant et sont troublés par leurs sentiments (ou leur absence de sentiment) jusqu’à ce passage, toujours désarmant pour le lecteur, où ils deviennent quelqu’un de nouveau, qui ont appris sur eux-mêmes : un homme, un père, un adulte…

Concis et sec, mais pas dépourvu de lyrisme, on n’est pas surpris de voir des nouvelles pareilles attirer l’attention du cinéma, encore moins celle du réalisateur de Sur mes lèvres ou De battre, mon coeur s’est arrêté dont on se dit que les histoires auraient pu être écrites par Craig Davidson. Cependant, bande-annonce et propos du réalisateur indiquent que l’adaptation prend ses distances avec un livre pourtant hautement recommandable.

« Vous trouvez pas que ce serait sympa si la vie, c’était comme dans la série ? J’ai beaucoup pensé à ça. Ils travaillent tous ensemble. Tout le monde s’entend bien. Il y a de l’amour, c’est sûr, mais pas le genre d’amour qui brise les gens, ou qui détruit les choses. Un amour de petit chiot. Personne ne souffre. Ils sont simplement tous… amis. Ça ne serait pas mal, je crois. Une vraie bonne vie, conclut-il en riant. avec un rire strident de petit chien. Mais je suis stupide. »

Le comte de la Pérue, navigateur de son état, est en mer depuis des mois, voguant au gré des vents dans l’espoir de nouvelles terres à conquérir pour son monarque, son Altesse Irénée le Magnanime, roi de Ponduche. Il est donc aussi surpris que désemparé lorsqu’il s’échoue lamentablement sur les côtes de sa terre natale, Ponduche, après avoir subi les ravages d’une tempête sans précédent. Privé de ses rêves de découvertes ainsi que du peintre officiel de l’expédition qui s’est jeté par dessus bord par désespoir amoureux, il apprend par la même occasion que le nord manque lui aussi à l’appel depuis quelques temps. Incrédule, il se rend vite compte de l’évidence en regardant sa boussole : on a perdu le nord ! C’est alors que le roi lui dévoile sa nouvelle promise, la très belle et trop mystérieuse Aïcha.

Lupano et Andréae accouchent d’un univers absolument génial, résolument nouveau, riche, drôle, intriguant… Autant le dire tout de suite, ce premier tome d’Azimut risque fort de s’imposer rapidement comme un classique du genre. L’intrigue, parfaitement lisible, fourmille de détails et d’effets d’amorce scénaristiques qui ne seront développés et résolus que dans les prochains volets d’Azimut, qui est annoncé pour trois volumes. Wilfrid Lupano invente les saugres, étonnantes créatures mi-animales mi-humaines ainsi que les chronoptères, insectes et oiseaux qui semblent présenter la particularité d’avoir une incidence sur le cours du temps.

Les chronoptères, ces créatures mystérieuses, qui constituent l’obsession d’Aristide, jeune garçon féru d’ornithologie, qui voit son père disparaître sous ses yeux alors qu’il cherchait à s’emparer d’un œuf de Lurette, spécimen chronoptère le plus étonnant entre tous. De longues années plus tard, alors que, de son côté, le comte de la Pérue n’en revient pas d’avoir perdu le nord, on retrouve donc Aristide qui, malgré son âge avancé, n’a pas abandonné son rêve de comprendre les caprices du temps, qu’il pense lié aux fameux chronoptères. Il fera la rencontre du major Oreste Picote, un chasseur de prime accompagné d’un saugre lapin éperdument amoureux d’une certaine Manie Ganza, qui n’est autre que la belle Aïcha du roi Irénée. Un personnage des plus mystérieux aux desseins obscurs, d’autant qu’elle est elle-même accompagnée de plusieurs saugres…

Avec énormément d’humour, Wilfrid Lupano et Jean-Baptiste Andréae construisent un univers fantastique véritablement étonnant, au bestiaire particulièrement riche. Les dessins de Jean-Baptiste Andréae sont extrêmement vifs et dynamiques, et privilégient l’action plutôt qu’un détaillisme inutile. On se focalisera dès lors davantage sur les expressions et les mouvements des personnages plutôt que sur le décor, bien souvent effacé ou très secondaire. Un travail sur la profondeur de champ d’une grande subtilité, qui n’est pas sans rappeler celui de tout chef opérateur de cinéma qui se respecte. Un trait qui se révèle magnifié par un découpage qui n’hésite pas à faire de la place pour de petites cases qui, mine de rien, viennent renforcer le récit en mettant en avant certains de ses détails. La couleur, assurée elle aussi par Andréae, est elle aussi absolument sublime et propose une atmosphère très particulière qui n’est pas sans rappeler sous certains aspects celle des Légendes et Contrées Oubliées de Ségur et Chevalier à la fin des années 80 et début des années 90.

Azimut : Les Aventuriers du Temps Perdu s’impose donc comme un must have pour tout amateur de fantasy qui se respecte. Le scénario est inventif, original, le traitement est efficace, extrêmement drôle, le trait est précis, sensuel — ah, les courbes de Manie… — les couleurs sont d’une beauté et d’une subtilité rares, pour un conte absurde peuplé de créatures tout aussi énigmatiques que fabuleuses, qui n’aurait probablement pas déplu à un certain Lewis Carroll. Et alors que la dernière page se termine sur un cliffhanger digne des meilleurs séries télévisées américaines, qui s’offre le luxe de boucler admirablement la boucle de ce premier tome et faisant écho à son introduction, on n’a qu’une seule envie : en découvrir la suite !

Parmi les quelque 2000 artistes invités, on ne compte plus ceux qui ont laissé une empreinte indélébile dans l’histoire du festival : Laurent Garnier, Gonzales, Einstürzende Neubauten, Justice, Agoria, Pedro Winter, Wire, The Fall, ESG, Ricardo Villalobos, The Residents, Gilles Peterson, Dj Shadow, Jamie Lidell, 2ManyDjs, Paul Kalkbrenner, Caribou, Hot Chip, Trentemöller, Underworld…

Pour fêter cette 10e édition, le festival investira deux nouveaux lieux : l’illustre Hôtel-Dieu (ancien hôpital du XVe siècle) et les Anciennes Usines Brossette, une sublime friche industrielle.

L’inauguration aura donc lieu à l’Hôtel-Dieu et accueillera majoritairement des artistes lyonnais, toujours dans le principe de la Carte Blanche à Lyon. On pourra y voir The Hacker plays Thief like me, une création exclusive de l’artiste The Hacker qui passera en revue les artistes et les morceaux qui l’ont inspiré. Danger, Acid Washed et Arandel présenteront Oxygene Revisited, une relecture du Oxygene de Jean-Michel Jarre, également lyonnais.

Quant aux Apéros Sonores, ils seront évidemment gratuits du jeudi au dimanche et squatteront quatre lieux de la nuit lyonnaise.

Principaux événements :

• Mercredi 16 mai :

Inauguration (18h – 23h) à l’Hôtel-Dieu avec Oxygene revisited feat. Danger, Acid Washed, Arandel / Reworks / The Hacker

Nuit 1 aux Anciennes Usines Brossette (21h – 5h)
Scène 1 : Garçon’s Mutant Disco Project / Yacht / !!! / James Murphy / Simian Mobile Disco
Scène 2 : Leome vs Theo De Montgeri / Kate Wax / Cassy / Seth Troxler / James Holden
Scène 3 : Ned / Bass Drum Of Death / Chris & Cosey / Raisa K / Etienne Jaumet

• Jeudi 17 mai :

NS Days 1 à l’Hôtel-Dieu (14h – 23h)
Scène 1 : Opti / Lone / Hudson Mohawke / Julio Bashmore / Joy Orbison / Maya Jane Coles
Scène 2 : Hervé AK / Sascha Funke / Saschienne / DJ Koze / Matias Aguayo / Pachanga Boys

Circuit Electronique : 13 étapes dans toute la ville / 15 métropoles invitées
Born Bad Night (Paris) / Trahit Sua Quemque Voluptas (Mantova) / Elektro System Loves Mobilee (Berlin) / Gigolo Night (Munich) / House Nation (New York & Stuttgart) / Marionetta (Ibiza) / Modern (Londres & Leeds) / Outlook Exported (Pula) / Bamako ! Palmwine Afro Party ! (Bamako) / Come on in my Kitchen & 13 Years Robert Johnson (Francfort) / Rave de l’Est (Prague) / Technocratie (Hambourg) / Tweak and Shout (Birmingham)

• Vendredi 18 mai :

NS Days 2 à l’Hôtel-Dieu (14h – 23h)
Scène 1 : John Cage Project / David Fenech et Jac Berrocal / Felix Kubin / Hunx and His Punx / Trash Kit / Mouse on Mars
Scène 2 : Ryan Elliott / Ben Klock / Marcel Dettmann

Nuit 3 aux Anciennes Usines Brossettes (21h45 – 4h45)
Scène 1 : Scratch Bandits Crew / Kool Keith / MF Doom / Flying Lotus / Busy P
Scène 2 : vOPhoniQ / Joakim / Martyn / Caribou vs Four Tet / Gesaffeistein

• Samedi 19 mai :

NS Days 3 à l’Hôtel-Dieu (14h – 23h)
Scène 1 : Zëro / Jeffrey Lewis & The Junkyard / Gallon Drunk / The Black Jaspers / Rocket from the Tombs / The Spits
Scène 2 : Freddy Pogo / Lazer Sword / Siriusmo / Modeskeletor DJ Team

Nuit 4 aux Anciennes Usines Brossettes (21h – 5h)
Scène 1 : Nuits sonores 10 years secret stage
Scène 2 : Spitzer / Danny Benedettini / Troy Pierce / Marc Houle / Magda
Scène 3 : Mike Slott / XXXY / Clark / Code9 / Jay Weed

• Dimanche 20 mai :

Le Transbordeur (18h – 21h) : Mudhoney + NoN!
La Sucrière (21h – 00h) : New Order

Contact et réservations :

info@nuits-sonores.com
Infoline (du 17 avril au 20 mai 2012) : 06 66 38 02 12

http://www.nuits-sonores.com

À l’heure ou The Voice fait encore une fois la part belle, après les Star Academy, Nouvelle Star ou Popstars, à la musique de grande consommation et relaie la musique au statut de produit banal de la vie courante, à ranger à côté des pâtes, légumes et autres produits en conserve, on peut se poser la question suivante : qui sont ceux qui constituent véritablement la scène musicale française aujourd’hui ? Le Bus Palladium nous apportait un début de réponse en permettant à trois jeunes artistes français — épaulés par un groupe japonais, A Band Apart, en première partie 

L’hommage nippon à Tarantino terminé, c’est donc à Motion of Hips, quatuor parisien, de réchauffer l’ambiance. Indie Pop plutôt classique, rappelant parfois un peu trop Phoenix ou Bloc Party, le groupe parvient sans mal, à défaut d’originalité, à enflammer une salle comble. Découverte musicale des inRocks Lab et à l’image des titres qui y sont par ailleurs disponibles à l’écoute, le quatuor enchaîne titres endiablés et ballades lancinantes, bercées par la douce voix de Guilhem — qui s’occupe aussi des claviers — qui se balade quant à elle entre un Thom Yorke et un Luke Pritchard.

Autre groupe, autre ambiance, avec Gaspard Royant et ses musiciens, qui produisent un rock sixties teinté de rockabilly foutrement efficace, bien ficelé et maîtrisé de bout en bout. Gaspard Royant s’inspire de grands noms tels que Bill Haley, Buddy Holly, Carl Perkins, Eddie Cochran et autres Eddie Fontaine, le tout avec énormément d’humour et de décontraction. Chemise à carreaux noire et rouge, pantalon rouge, guitare rouge : la tenue de scène est parfaite, dans tous les sens du terme tant Gaspard semble à l’aise face à un public dont la réaction est à la hauteur de ce que le groupe dégage. L’ambiance est posée, le public frétille, sautille, se déhanche en même temps que Gaspard les séduit de sa voix délicatement « croonée ». À suivre, définitivement.

Pièce finale de ce concert, c’est au tour de Charlie L de reprendre le flambeau déjà joliment embrasé par les groupes précédents. Étonnamment timide, le jeune chanteur et pianiste entraîne son public dans un univers encore une fois différent de celui de ses prédécesseurs, une Electro-Pop mâtinée de Soul qui se situe à la croisée d’artistes tels que Calvin Harris, Jamiroquai surmontés de l’énergie rock de Phoenix, Jamaica ou de certains titres de Gush et de la sensualité du timbre d’un John Legend. Un joli mélange, qui produit une musique entrainante et plutôt bien pensée.

Étonnamment timide, donc, ce Charlie qui semble hésiter à s’adresser à son public entre chaque morceau, se contentant souvent d’un simple et hésitant « ça va ? ». Mais l’important, ça n’est pas ce qui se passe entre les morceaux chez Charlie L, mais bel et bien l’énergie déployée par l’ensemble du groupe, Charlie bien sûr, mais aussi ses musiciens, frêle guitariste bondissant en tête. Le public ne s’y trompe pas et acclame tout simplement le quatuor parisien, qui conclura son set manifestement écourté par la direction du Bus Palladium par le très bon Today, qui figure parmi les plus récentes compositions du combo.

Avec des groupes aussi divers et variés que ces trois représentants de ce qui se fait aujourd’hui en France, on ne peut qu’être rassuré : les amateurs — et producteurs — de musique au rayon surgelé et de mélodies en conserve se retrouvent confrontés à une belle concurrence. Plus discrète certes, moins fortunée sans aucun doute, mais infiniment plus juste, plus inspirée, plus talentueuse.

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Quelques liens utiles :

CHARLIE L
http://www.myspace.com/MeetCharlieL
http://www.noomiz.com/charliel
http://twitter.com/#!/charlielmusic
http://www.muzicly.com/#charliel

GASPARD ROYANT
http://www.noomiz.com/gaspardroyant
http://www.myspace.com/gaspardroyant
http://www.deezer.com/fr/music/gaspard-royant

MOTION OF HIPS
http://www.myspace.com/motionofhips
http://www.lesinrocks.com/lesinrockslab/artistes/motion-of-hips/

C’est fou ce qu’on en a appris en matière économique en quelques cinq années. D’une chimérique « France de propriétaires » nous avons découvert l’existence des produits toxiques, que des banques d’affaires ou des états pouvaient faire faillite et, plus généralement, nous avons pris l’inintelligible mesure de l’ampleur du déséquilibre entre une économie réelle, celle de ceux qui rêvent d’être propriétaires, et une économie virtuelle, dite financière, dont les acteurs semblent détenir les clés du monde.

Alors qu’un plan de licenciement frappe un étage d’une banque d’affaire à Wall Street, Eric Dale (Stanley Tucci) est sur le point de découvrir que son entreprise court à la faillite du fait des positions risquées qu’elle a prise sur les marchés. Subitement licencié, il transmet une clé USB contenant son travail à un de ses ex-employés, le prometteur Peter Sullivan (Zachary Quinto), lequel ne met pas longtemps avant de clore l’analyse apocalyptique de Dale. Il appelle en urgence son nouveau chef, qui en fera rapidement de même, et ainsi de suite jusqu’à l’arrivé de Tuld (Jeremy Irons) grand patron du groupe. Tandis que certains se mettent à la recherche d’Eric Dale, dont le portable a été coupé suite à son éviction de la société, par crainte de voir la situation de l’entreprise être eventée avant l’ouverture de la bourse, tout ce beau monde passe sa nuit à chercher une solution.

Cette solution, les spectateurs, tout comme les courtiers les plus expérimentés de cette banque fictive, la connaissent dès le début : « tout bazarder » comme le résume un des traders, joué par un Paul Bettany convainquant, au risque — terme impropre puisqu’ils savent avec certitude les conséquences des actes qu’ils s’apprêtent à commettre — de provoquer une crise gravissime. Cet aspect fataliste du film fait à la fois sa force et sa faiblesse. La grande réussite, c’est ce choix artistique de traiter ces évènements comme une tragédie : quasiment en huis clos dans un Olympe de verre et le temps d’une journée (et surtout de sa nuit), toute l’intrigue se resserre sur un éventail de personnages divers à l’image d’un casting des plus malins. Faisant appel à des pointures du 7e Art tels que Kevin Spacey, Jeremy Irons ou Demi Moore dans des rôles qui leurs collent aux basques (Moore évoque par exemple la working girl aux dents longues d’Harcèlement pour qui dix ans ont passé et Irons retrouve intacte la froideur explosive d’un Simon Gruber) et à des acteurs de séries plus ou moins célèbre en fonction de la position hiérarchique de chacun au sein de la firme, ainsi The Mentalist, Simon Baker, se place en héritier logique du grand patron quand les autres seconds rôles Penn Bradgley (Gossip Girl) ou Zachary Quinto (Heroes, American Horror Story) font figures de jeunes loups pour lesquels il est l’heure de faire ses preuves. À défaut de créer la surprise par quelques contre-emplois, Margin Call, qui est le premier film d’un réalisateur qui a été contraint d’abandonner un premier projet malgré des années de travail, propose là un parallèle discret et retors avec Hollywood,  une autre machine à fric et à rêves, comme le reflet d’un miroir posé face à Wall Street.

Quoi qu’il en soit, en faisant ce choix de tragédie filmée, le film se permet à plusieurs reprises de provoquer les retournements de perception au sujet des personnages dont le peu que l’on connait de leurs vies privées laisse deviner une grande vacuité. On peut alors voir dans la même scène un personnage que l’on jugeait froid et cynique faire une critique ouverte de ses actes, tandis qu’à côté de lui, un personnage intelligent et faisant vivre l’espoir d’un changement d’état d’esprit général avec le changement de génération s’apprête à signer un pacte avec le diable. Toute la mise en scène parvient en définitive à démontrer comment les différents rouages humains emprisonnés dans la machine de ce business nébuleux restent des êtres sensibles et conscients du rôle qu’ils jouent dans le déséquilibre mondial. Ils sont par conséquent plus ou moins tiraillés entre leur intégrité et leur avidité et chacun s’en débrouille, en encaissant (dans tous les sens du terme) en silence ou en se racontant une version enjolivée de l’Histoire pour mieux accepter les sacrifices qu’ils acceptent de faire pour de l’argent.

Cependant, en faisant de crises financières des fatalités modernes, comme pouvaient l’être les grandes épidémies ou les famines du moyen-âge, Margin Call se contente de rester un témoignage anecdotique d’un moment historique, celui lors duquel une poignée de personnes ont décidé de précipiter le monde dans la crise en 2008. Ce sont eux, ici, mais ça aurait pu être n’importe qui d’autre, dans n’importe quelle autre banque : l’histoire nous montre juste ce qu’il se passait du côté de ceux qui ont gagné à cet instant là. À l’instar de ses images froides, nocturnes et célestes, de l’absence parfois remarquée de musique, Margin Call ne prend pas partie et balaie même toute possibilité de rébellion par un traitement impersonnel et clinique, atténuant ainsi tous les remords passagers et les atermoiements avant la tempête exprimée par quelques dialogues. Tout cela ne reste hélas qu’en surface. Tout comme les ingénieurs en aéronautique et en génie civil délaissant leurs talents pour les primes vertigineuses de la haute finance, Margin Call reste finalement vain : les crises surviennent et les traders sont aussi des hommes, après tout. Et alors ?